En la década de 1950, después de invenciones cubanas como el mambo, el batanga y el chachachá, apareció el merecumbé acogiendo la cumbia y el merengue típicos deColombia. Si bien la forma original del merengue es el de las Antillas cuando se extendió a Haití y a República Dominicana, en Colombia ya existía una tradición merenguera. Los merengones o fiestas de merengue eran especies de parrandas en Colombia, a las que asistían los mejores merengueros de la Región Caribe y se realizaban en las vegas del Magdalena, las sabanas de Bolívar y otras localidades. En los merengones, los merengueros improvisaban cantos enfrentando a sus rivales con jerga de bebedores, sátiras y versos picarescos, acompañados por una danza circular donde las mujeres llevaban velas encendidas.
El mismo inventor del merecumbé, Pacho Galán, aclara la confusión, cuando expresa las raíces de este género: "El merecumbé es una síntesis, una mezcla de la cumbia autóctona con el merengue del departamento del Magdalena, y no del merengue dominicano. Claro está que las melodías del merecumbé están basadas en manifestaciones folclóricas musicales de la Región Caribe. Cosita Linda, el primer merecumbé que lancé al mercado fonográfico, es original, no tiene antecedentes mélodicos conocidos, sin duda lleva el mensaje del pueblo".
El merengue dominicano se escribe en compás de dos por dos, el merengue colombiano en compás de seis por ocho, predominado el elemento terniario sobre el elemento binario propio del antillano, que es más lento. La mezcla de merengue dominicano con cumbia no produce merecumbé. Su creador, el músico soledeño Francisco "Pacho" Galán, hizo una mixtura de merengue colombiano con cumbia.
SON CUBANO!
El son cubano es un género musical originario del este de Cuba, región popularmente conocida como región oriental u oriente cubano y que hoy comprende las provincias de Guantánamo, Baracoa, Manzanillo y Santiago de Cuba.
El músico y escritor Laureano Fuentes Matons recogió en su libro "Las artes en Santiago de Cuba" publicado en 1893 la canción Son de la Ma´Teodora, considerándola como el primer son conocido. Esta canción aparece como escrita en Santiago de Cuba en 1562 por las hermanas Micaela y Teodora Ginés, dos negras libertas originarias de Santo Domingo.12 Por otro lado, historiadores como Alberto Muguercia y Danilo Orozco consideran equivocada esa afirmación, llegando incluso a poner en tela de juicio su existencia, considerándola como "apócrifa" y carente de documentos históricos que avalen su creación.3 No obstante, en el "Son de la Ma´ Teodora" reproducido por el cubano Laureano Fuentes Matóns en 1893, están presentes características del género del son cubano, como lo es el diálogo entre solista y coro.
Si bien presenta elementos de música bantú y española, el son surge en la región oriental de Cuba4 a finales del siglo XIX. Su origen está íntimamente vinculado al Changüi, considerado como el ritmo madre del son. En 1892, el tresista baracoense de ascendencia haitiana Nené Manfugás5 lo lleva del monte a los carnavales de Santiago de Cuba.6
Con el establecimiento en la década de 1920 de la radiodifusión comercial, comenzó el auge y popularización del son, siendo el Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro uno de los principales representantes de esta época. Piñeiro es el creador muchas composiciones célebres como Échale salsita, primera vez que se usó la palabra salsa para denominar a la música cubana.El son llegó de Oriente a La Habana alrededor del 1909, probablemente debido al traslado de los soldados del ejército permanente. El "Cuarteto Oriental" , creado en 1916 y que en 1918 se convirtió en el Sexteto Habanero,7 estableció el formato de las bandas de son en lo adelante.
A la hora de hablar de la historia del bolero, deberíamos pensar en remontarnos a la época de las conquistas donde cada invasor traía consigo sus culturas musicales que se entremezclarían con la de los criollos y los africanos. Comenzaremos desde muy lejos para relatar, desde dónde vienen los primeros compases del ritmo más romántico que existe.
Téngase en cuenta que, para esta época la isla de Cuba estaba atiborrada de españoles y que los lazos con España eran muy fuertes, como también su influencia musical. Aquel bolero español consistía en: Música para bailar con acompañamiento de castañuelas, tamboril, guitarra y, además, con un matiz altisonante. Y sí, las teorías son muchas y diversas, pero nos situamos, como aspecto atrayente, por la versión española aquella de movimiento danzante y ligero. Y que, también, su nombre podría tener sus orígenes, justamente, allí de la expresión Voleo = volar y en donde las danzas españolas muchas veces indican este voleo.
Lo cierto es que de la mano de las cajas de madera, que hacían como una suerte de percusión, como también el uso de la guitarra y los aplausos. Arribó el bolero a las rutas del caribe, concretamente a CUBA, y allí se le dio ese compás cadencioso y mágico con sus bongos, tumbadoras y guitarras. Pero te contaremos desde su aparición cuando con la danza, género criollo que reemplazó a la contradanza, por el siglo XIX aparecen los primeros danzones. La danza estaba en todo su auge y la historia dice que un 1º de enero de 1879, se tocó el primer danzón. Convivieron juntos hasta el siglo XX... Lento y cadencioso llegó a ser el baile de los abuelos. Y luego, de a poco, llegaría el bolero... El danzón es desplazado por el son, ritmo más movidito y el danzonete. Aunque, en algunos lugares, seguía el danzón como baile romántico y bien pegaditos, casi sin moverse. La trova fue un fenómeno que fue creciendo en la isla, eran modestos cantadores que le cantaban a sus amadas y vertían su sensibilidad con una guitarra y bellas letras que eran acompañadas por una hermosa melodía., pero se ganaban la vida en otros quehaceres: albañiles, vendedores de tabaco o diseñadores de ropa, sastre.
Y dignamente un sastre, PEPE SÁNCHEZ, de contextura espigada, mulato es quien, por el año 1883, le dio rienda suelta a la inspiración y al sentimiento situándole el sello cubano al primer bolero de la historia con su mayor inspiración TRISTEZAS. Quedaría así inaugurada la música romántica que rebelaría Latinoamérica y por, hoy, también al mundo. En un encuentro de identificación musical Cuba ,dicen los investigadores, deja a las andanzas al bolero tanto que lo adopto, México. Aunque no haya tenido la jerarquía de haber sido el lugar donde nació el bolero, MÉXICO si que tiene una gran importancia para el desarrollo de esta música. Tanto, que por algún momento, quienes no estaban muy informados decían que el bolero había nacido en el país azteca.
samba!
La Samba es un baile brasileño que es de origen africano. El carnaval de Río de Janeiro la hizo famosa. La Samba folclórica, también llamadabatucada, es acompañada por instrumentos de percusión y cantos que consisten en el coro y en los solistas. La samba se baila en grupos que forman círculos o dobles líneas.
La versión de baile de salón de la samba se parece un poco a la rumba. La pareja se suelta a veces para hacer una serie de pasos separados. Unos de esos pasos son por ejemplo el balao, el va e vien y la corta jaca.
La samba se hizo popular de 1920 a 1930. En la década de 1960 el ritmo de la bossa-nova influyó en la samba. La samba era también una inspiración para algunos compositores de música seria comoScaramouche (1939) de Darius Milhaud.
El samba es un baile-canción brasileño de origen africano que surgió entre los esclavos negros de Río de Janeiro, Sao Paulo y Bahía. En 1950 se popularizó en su modalidad de samba de enrredo, componente coreográfico esencial de los desfiles de carnaval de Río de Janeiro. Una de las teorías sobre el orígen de la palabra "samba" está en el término bantú semba que significa en portugués panzada, esto es, golpe de panza que aparece en las diferentes danzas de procedencia africana y que representa una incitación al baile. Otra teoría define el vocabulo "samba" como súplica, plegaria o adoración. A finales de la década de los treinta el samba carioca comenzó a hacerse popular en Norteamerica. Contribuyendo a ello el gran éxito conseguido por Acuarela de Brasil del compositor Ary Barroso. A la hora de analizar el samba hemos de tener en cuenta que los ritmos brasileños son más suaves, más elásticos y blandos que los cubanos. Es un ritmo sencillo cuya complicación más acusada está, sin duda, en el balanceo del cuerpo, lo que lo convierte en un baile suave y elástico. La samba de salón es un invento norteamericano puesto que en Brasil no se suele bailar en pareja, sino que se utiliza en los carnavales haciendo coreografías, pero casi siempre individuales. Los norteamericanos lo convirtieron en baile de pareja estableciendo la misma posición que para los ritmos caribeños, con el movimiento corporal característico de el samba (el balanceo); al mismo tiempo desarrollaron nuevas reglas similares a los demás bailes de salón, con figuras inspiradas en el baile autóctono.
danza arabe!
ORIGEN
El origen exacto de esta forma de baile es motivo de constante debate entre quienes se interesan por esta danza, debido principalmente a la escasa investigación llevada a cabo al respecto. La mayoría de los estudios los han realizado las propias bailarinas, en un intento por entender sus orígenes. No obstante, suele pasarse por alto que gran parte de la danza en Oriente Medio surge en el contexto social, no tanto en el de las representaciones en cabarets a cargo de bailarinas profesionales, entorno éste más visible y glamuroso. Esto ha provocado una importante confusión en cuanto a la verdadera naturaleza de este baile, dando lugar a teorías contradictorias en un intento por explicar sus orígenes.
Estas son algunas de las teorías existentes: desciende de las danzas del antiguo Egipto procede de un baile de tipo religioso que practicaban antiguamente las sacerdotisas de los templos formaba parte de las prácticas tradicionales de alumbramiento en la/s region/es de origen. se había extendido gracias a las migraciones de los pueblos gitanos y de grupos similares, de origen hindú.
De todas ellas, rara vez se hace alusión a la primera, a pesar de que cuenta con el apoyo de personalidades como el bailarín egipcio Doctor Mo Geddawi. El principal apoyo de esta teoría tiene su explicación en las semejanzas entre las poses del arte egipcio y los movimientos del baile en su vertiente moderna.
La teoría más conocida es la que la asocia con un baile religioso, a la que se suele hacer referencia en los principales artículos sobre el tema y que goza de mayor publicidad
La teoría que la asocia a las “prácticas de alumbramiento” en virtud de una serie de movimientos del Raqs Sharqi moderno. Es refrendada y extendida por el bailarín marroquí y aficionado a la antropología conocido también como Carolina Varga Dinicu y tiene que ver con la revisión de los movimientos que se han venido utilizando para ilustrar o facilitar el alumbramiento. A pesar de que dicha teoría carece de un “punto de origen”, sí que cuenta con numerosas referencias históricas de tipo oral.
La danza oriental ha sido tradicionalmente folclórica improvisada por una sola bailarina, aunque ahora pueden verse espectáculos con varias bailarinas. Se caracteriza por sus movimientos suaves y fluidos, disociando y coordinando a la vez las diferentes partes del cuerpo. Por ejemplo, los brazos pueden ir a un ritmo diferente del que va marcando la cadera. La atención se centra principalmente en la cadera y el vientre, alternando movimientos rápidos y lentos y se enfatiza en los músculos abdominales, con movimientos de pecho y hombros así como con brazos serpenteantes. Los movimientos ondulatorios, rotativos, que por lo general son lentos simbolizan la tristeza, en cambio con los movimientos rápidos, golpes y vibraciones la bailarina expresa alegría. Todos los movimientos de esta danza se relacionan con la naturaleza, por ejemplo, las plantas de los pies se apoyan bien sobre el suelo, esto simboliza la tierra, o también cuando la bailarina extiende sus brazos siempre forman una semi U y nunca están caídos, esto simboliza a las aves.
En un comienzo las bailarinas árabes se perfumaban las muñecas para que al bailar y al mover sus manos se perfumaran ellas mismas y a su público. En esa época no existían perfumes, por lo que utilizaban aceites.
A lo largo de los años, se han ido incluyendo algunos elementos tradicionales para “adornar” este tipo de baile, como por ejemplo: velos, espada, bastón, velas, crotalos , charola, candelabro, alas de Isis etc. Aunque esta danza suele ser femenina, también hay bailarines varones.
Para cada elemento hay un ritmo, y para cada canción una técnica, aunque muchos artistas modernos, como Hakim o Shakira, hayan popularizado esta danza con todo tipo de modificaciones en su música, desde el pop hasta la electrónica.
baile de india!
La danza de Bollywood consiste en una combinación de varias formas de danza procedentes de la India, danza clásica india (movimientos pausados y sensuales), popular, árabe, mehindi, expresionista, latina, y los más variados estilos populares surgidos de las mismas calles. La danza de Bollywood es muy divertida y Mezcla muchos movimientos provenientes de la danza clásica india, los bailes folclóricos de varias zonas del país y los bailes más modernos desde el jazz, funky, hip hop y hasta la samba y la salsa. La danza de Bollywood se trata de contar historias. Las canciones son de las películas y están allí por una razón en particular por ejemplo, una canción de celebración, una canción de la seducción, una canción de amor, una canción de tristeza. Así que cuando se baila, usted está bailando con las palabras y el humor. Se utilizan diferentes canciones en diferentes ocasiones.
Hoy día, la danza Hindú es un estilo en sí misma. Tomando prestadas las formas libres occidentales y las clásicas hindúes, la danza Hindú narra historias contemporáneas con la vitalidad de las formas más tradicionales.
Esta especie de explosión cultural se debe en gran medida a la atención que ha captado y el lugar que ha asumido la industria cinematográfica del país oriental (conocida como Bollywood), dentro del circuito de empresarios estadounidenses pertenecientes a Hollywood.
mapale!
El Mapalé es también un gran baile, una ardiente danza de negros y exaltación erótica entre varón y mujer al rápido ritmo de los tambores. "Los bailarines en medio del frenesí se mueven evocando con sus fuertes saltos, caídas, movimiento de hombros y caderas, de manera enérgica, un enfrentamiento de cuerpos ardientes”
VESTUARIOS
Surgido desde el ingreso y asentamiento de los negros traídos del golfo de Guinea en África, durante la época de la conquista, hoy el Mapalé representa un sentir afro-colombiano intenso. En medio del calor del caribe la vestimenta de los bailarines de Mapalé, se compone de vestidos cortos ceñidos en colores vivos que constan de arandelas (boleros) en hombros y faldillas para resaltar el movimiento. Los hombres utilizan pantalones pesqueros sin camisa y se acompañan de un pañuelo, aunque pueden llevar una camisa arremangada y anudada.
COREOGRAFÍA Y ESTEREOMETRÍA
Basados en el frenético movimiento de las caderas de hombres y mujeres danzantes, el ritmo marca una velocidad acelerada y una cadencia que va creciendo para poner en éxtasis los cuerpos de las parejas sueltas que dan pasos cortos, palmoteos y figuras acrobáticas de presentación en una media luna coreográfica.
MÚSICA
El conjunto o ensamble musical consta de tambor llamador, tambor alegre, maracas o guache y tambora. El Mapalé en su versión más antigua fue un toque de tambor que servía solo para bailar, el cual se caracteriza por su ritmo binario fuertemente percutido a dos golpes, que también admite el canto y el palmoteo como forma de acompañamiento.
tango!
La danza surgió de modo improvisado, pero desde sus comienzos fue decisiva para el tango. Es un baile muy personal y sugerente que se apoya en el ritmo, a diferencia de la música que se basa en la melodía. Otro rasgo singular es que, cuando se baila tango, mientras las piernas dibujan figuras en el piso, el torso marca un movimiento diferente. En sus comienzos emulaba algunos pasos del candombe y las parejas, en lugar de acercarse, se distanciaban al compás.
El compás del tango es cuatro por ocho y para bailarlo sólo basta con caminar este núcleo básico de cuatro pasos al compás. Después se le pueden agregar figuras, pero lo principal para ser un buen bailarín es "caminar el tango" y eso significa dentro del compás. El tango es de suave ondulación, con ritmo acompasado y atrevido. No se baila a voluntad y con rigidez.
Al poco tiempo de ser conocido, los compadritos lo llevaron al barrio de Corrales viejos y el tango irrumpió en los piringundines donde ya se bailaba la tradicional milonga. Ahí se armaban las verdaderas fiestas y varios eran conocidos por sus buenas milongueras, como "la" Carmen Gómez, que bailaba en un tugurio cercano a la antigua plaza de Lorea.
Los que bailaban tango eran los más taura, valientes y diestros, no sólo con los pies, también con el cuchillo.
Se aprendía a bailar tango a puro ensayo y error y se practicaban los pasos para mostrar en público. Después, el aprendizaje pasó a la familia y, por los años sesenta, los padres enseñaban a sus hijos, los hermanos mayores a los menores y se ejercitaban entre primos o tíos.
n 1904, Casimiro Ain y su mujer se lucieron en el teatro Ópera como bailarines de tango. Le siguieron eximios bailarines como Ricardo Güiraldes, Florencio Parravicini, Jorge Newbery, Benito Bianquet y Tito Lusiardo, entre los más antiguos.
Gracias a la danza, el tango resurgió en 1913 después de su primera crisis, cuando triunfó en París y apareció Rodolfo Valentino en una escena de baile en la película "Los cuatro jinetes del Apocalipsis". También experimentó un nuevo impulso en 1985, cuando la compañía Tango Argentino, integrada por Juan Carlos Copes y María Nieves, Nélida y Nelson, Gloria y Eduardo, Mayoral y Elsa María, Virulazo y Elvira, María y Carlos Rivarola y los Dinzel, triunfó en Broadway con un espectáculo memorable. Creado y dirigido por Claudio Segobia y Héctor Orezzoli se presentó en todo Estados Unidos y Europa y permitió que el tango se luciera como un espectáculo artístico internacional.
El que fomentó el paso del tango de los pies a la voz fue Carlos Gardel cuando, en 1917, entonó el primer tango canción "Mi noche triste". Pero esa es otra historia.
En la ejecución de la música carranguera se utiliza la guitarra, el tiple, la guacharaca y la voz.
ORIGEN
Hoy en día existen incontables grupos de música carranguera o "carranga", convirtiéndose así en una escuela a nivel nacional.
Este estilo musical se destaca comúnmente por la "jocosidad", de los versos interpretados por los artistas, en donde comúnmente se encuentran frases con doble intención, o de conciencia ecológica.
La carranga es canto, pregón y sueño; es pensamiento, palabra y obra, es amor a la vida y sus querencias, es una forma de expresión y de identidad a partir de lo tradicional mezclado con lo cotidiano, teniendo en cuenta la creación colectiva y personal. Es un género que ha servido como punto de partida para otras tendencias musicales y como referencia o herramienta de investigación, consulta, apoyo académico, trabajo de grado a profesores y estudiantes.
La carranga tiene una trama que identifica, una narrativa que divierte y propone, y unos rítmos básicos que se van consolidando como rumbas y merengues, con muchas variantes cada una.
Cómo bailar charlestón
Cómo bailar charlestón. El baile charlestón de 1920 es tan rápido y atareado que las personas pensaban que sólo era para bailarines profesionales cuando surgió por primera vez. Pero las chicas de los "locos años veinte" lo dominaron rápidamente. Los siguientes pasos te ayudarán a comprender el ritmo de jazz ragtime del charlestón.
Charleston y Gangster
Los Disfraces más originales para revivir los locos Años 20 y 30 con sus bailes de Charleston. Las bailarinas de Cabaret y los disfraces de Gangsters, como Al Capone, para volver a los Años 40 y 50. Elegantes y sensuales vestidos de lentejuelas, largas y coloridas boas de plumas para el cuello, señoriales trajes de caballero y sombreros típicos de la mafia, son muchos de los atuendos que te ofrecemos para que seas el rey de la Fiesta Temática o de los Carnavales. Seas niño o niña, hombre o mujer, aquí encontrarás todo lo relacionado con los disfraces de Charleston y gangster, así como los accesorios más divertidos para que a tu disfraz no le falte ningún detalle.
ballet segunda parte!
Elongación del torso. Alongarse a través de las piernas, por medio del estiramiento de las mismas desde el suelo, involucrando la musculatura abdominal y elevando el torso por encima de las caderas, constituye un importante elemento técnico que contribuye a definir la estética del ballet. Cuando apoyamos una o ambas piernas en el piso, estas se estiran hacia arriba a través de la pelvis, para mantener el máximo de su longitud. Esta acción previene al bailarín de “sentarse” (hundirse) en las piernas, permitiendo el estiramiento de la pelvis y el torso y, por lo tanto, dando mayor facilidad de movimiento en las piernas. El bailarín involucra los músculos abdominales elevándolos hacia arriba, desde el hueso púbico hasta el esternón, aumentando la distancia entre las costillas y las caderas. Esta acción acompaña simultáneamente un estiramiento hacia debajo de la columna por el plano posterior hasta el suelo, para mantener el control de las curvaturas de la columna. Estas acciones opuestas levantan y centran perpendicularmente el torso, consecuentemente permitiéndoles a las piernas moverse libremente mientras el cuerpo parece flotar por encima de ellas. El uso correcto de la elongación le permite al bailarín verse ligero y con la capacidad de desafiar la gravedad.
Compensación. Este concepto está relacionado con las fuerzas opuestas que encontramos interviniendo constantemente en el cuerpo. La gravedad y el peso corporal ejercen una fuerza hacia abajo; los músculos proveen de la fuerza que compensa esta otra permitiéndonos permanecer erguidos. Cuando se disminuye la tensión excesiva de los músculos por medio de una correcta alineación postural, el bailarín puede ejecutar sus movimientos con mayor facilidad. La respiración se hace más fluida y el cuerpo funciona eficientemente.
Para cada acción debe existir una reacción opuesta e igual. Cuando realizamos un movimiento hacia abajo el cuerpo deberá estirarse hacia arriba antes de descender. En la técnica del ballet, el bailarín intenta no hundirse o dejarse vencer por la gravedad. Si movilizamos la pierna de trabajo adelante o atrás, el cuerpo tenderá a moverse hacia delante o hacia atrás. Estas acciones se presentan usualmente en los hombros, las caderas o en ambas. La compensación impide que perdamos la colocación y elongación del cuerpo.
Contrabalance. Esta acción consiste en la ligera inclinación del torso hacia arriba y hacia delante cuando levantamos la pierna atrás, por encima de los 20 grados. Debido a la conformación de la parte posterior de las caderas, esta inclinación le permite a la pierna subir sin presionar excesivamente la columna. El cuerpo debe continuar manteniendo su colocación durante esta acción. La parte anterior del torso se estira hacia arriba durante la inclinación hacia delante del torso, mientras la pierna se estira al elevarse hacia atrás. El cuerpo regresa a su posición alineada después de haber finalizado el movimiento hacia atrás. La elongación de la columna cervical, dorsal y torácico, es esencial en este proceso.
Aplomo. El aplomo es la línea vertical imaginaria que se utiliza para evaluar la alineación y el centro vertical del bailarín. Visto de frente en primera posición de ballet, la línea de aplomo, también llamada línea central, se desplaza desde la parte superior de la cabeza, a través de la mitad de la nariz, boca, mentón, esternón, ombligo, pelvis y el punto medio de los talones. Visto de lado, la línea de aplomo desciende desde la parte superior de la cabeza pasando por el frente del oído, a través de la parte media del hombro, cadera y rodilla para caer finalmente en frente del hueso del tobillo.
El concepto de aplomo también se aplica durante el movimiento. En este caso, consiste en la habilidad del bailarín para cambiar de nivel desde el demi-plié hasta relevé, y lo contrario, mientras se controla y se centra el peso del cuerpo a través de su eje vertical. Durante la ejecución de movimientos que trasladan el peso de dos pies a uno o de uno a dos, el balance, la postura, la transferencia del peso y el aplomo deben aplicarse de forma integrada. Cuando el bailarín moviliza todas las partes de su cuerpo constantemente, debe realizar ajustes para mantener el cuerpo alineado. El aplomo le permite al bailarín moverse verticalmente hacia arriba y hacia abajo en el espacio con confianza y gracia.
Balance (Equilibrio). El ballet considera el equilibrio desde el punto de vista anatómico y estético. Para hallar el balance anatómico debemos intersecar los tres planos del cuerpo: el frontal, que divide el cuerpo en el planto anterior y posterior; el sagital, que lo divide en lado derecho y lado izquierdo; y el transverso, que lo divide en plano inferior y superior. El balance es un principio dinámico que el bailarín trata de percibir en todo su cuerpo, ya sea en una posición estática o durante el movimiento. Para estar en equilibrio, el bailarín constantemente reajusta las relaciones internas de una o más partes del cuerpo, ya sea mientras se conserva una pose, se desplacen las distintas direcciones o se gire. Para lograr el equilibrio sobre uno o dos pies, es necesario integrar las sensaciones de los conceptos de rotación, elongación y alineación en una totalidad integrada. Estéticamente, el bailarín selecciona las proporciones correctas del cuerpo para todas las diversas posiciones, mostrando la armonía de sus partes en infinitas relaciones.
Para mejorar su equilibrio, el bailarín asimila la ejecución correcta de los ejercicios y los pasos en las diferentes posiciones del ballet. Estas posiciones son el marco a través del cual fluyen los movimientos del ballet otorgándole a este arte su plasticidad característica.
Ballet Clasico
El ballet o danza clásica es un género dramático cuya acción es representada por medio de pantomimas y danzas. Es, también, el nombre específico dado a una forma concreta de danza y su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes el espectáculo coreográfico puede incluir: danza, mímica, texto y música (de orquesta y coral), decorados y maquinaria.
También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, a propósito, para que sea interpretada por medio de la danza.
El bailarín debe conocer y manejar a la perfección su propio cuerpo, desarrollar el tono muscular adecuado, fuerza y resistencia, además de una postura adecuada para mantener en condiciones su estructura ósea.
El Ballet es una Arte Escenica.
l ballet clásico es una forma artística muy lógica. Está conformado por ejercicios, pasos, posiciones y poses para los que existe una terminología francesa. Los principios, reglas y protocolos determinan la forma en la que se ejecutan sus ejercicios y sus pasos; estas reglas y protocolos distinguen al ballet de otras formas de danza. Su estructura teórica provee el marco, que aplicado correctamente logra el nivel clásico demandado por este arte.
Los principios generales del ballet clásico incluyen los conceptos de alineación, rotación, distribución del peso, postura, transferencia del peso, colocación, elongación, compensación, contrabalance, aplomo y balance (equilibrio). Aunque estos principios serán examinados individualmente, es necesario aclarar que en el transcurso de la clase se encontrarán siempre interrelacionados. Es difícil estudiar cualquiera de estos principios sin analizar su relación con los demás. El aprendizaje y aplicación de estos principios es un proceso progresivo. La asimilación intelectual y kinesiológica de estos principios enriquecerá la experiencia motriz de los alumnos permitiendo el desarrollo de una sólida técnica base.
PRINCIPIOS
Alineación. La alineación corporal puede definirse como una buena postura en su sentido más clásico. Una adecuada alineación corporal es la base esencial para desarrollar la técnica del ballet. Para el bailarín de ballet esta alineación integra constantemente la cabeza, el torso, los brazos y las piernas en una totalidad coherente, mientras el cuerpo se mueve a través del espacio o mientras se mantiene una posición. La alineación es un principio primario y dinámico que se mueve eficientemente como un todo y es sensible a los movimientos de sus partes. El cuerpo entero es como una estructura de bloques: si uno de los bloques está desalineado afecta el resto que esté por encima o por debajo. Una vez el cuerpo está desalineado, otras partes del cuerpo realizan compensaciones que causan aun mayor desalineación y eventualmente lesiones: todas las articulaciones mayores del cuerpo se pueden ver afectadas.
Rotación (en dehor). La rotación externa de las piernas es la característica más distintiva del ballet clásico; dicha rotación debe emanar de la cadera. El fémur rota por la acción de varios músculos, entre ellos seis músculos rotadores de las caderas: prirformis, abductor interno, quadriceps femoral, gemelo interior, gemelo superior y abductor externo. El control muscular de la pelvis, las piernas y el abdomen es esencial para mantener una correcta alineación del cuerpo y facilitar la rotación. La rotación se extiende a través de los muslos, las piernas y los pies, alineando las rodillas con la pelvis y los pies. La rótula estará por encima del segundo y tercer dedo del pie. El tobillo se encuentra perpendicular al suelo, de manera que el pie no ruede ni hacia dentro ni hacia fuera de sus bordes. La alineación vertical de las caderas, piernas, rodillas, tobillos y pies debe ser mantenida ya sea con las rodillas flexionadas o extendidas. La rotación ideal es de 180 grados. Para el bailarín principiante la rotación debe ser natural desde las caderas, esta puede se entre 90 y 100 grados. Para mantener igual el nivel de rotación en ambas piernas se requiere una apropiada alineación y colocación del torso. La rotación natural deberá mejorarse mediante la aplicación de estos principios y de un adecuado control muscular. La rotación es un principio primario que se aplica a toda la técnica del ballet. Durante el renacimiento el ballet fue ejecutado inicialmente en los bailes de salón y luego se trasladó al escenario. El vestuario que los bailarines usaron mientras evolucionó el ballet llevó a que la rotación fuera la forma más eficiente y estética de moverse en todas las direcciones, permitiendo asumir cualquiera de las posiciones clásicas mientras se mostraban al público. La rotación por lo tanto es el sello característico del ballet clásico. Una imagen que puede ayudarnos a comprender el principio de la rotación es la idea de una “espiral mágica”. Imaginemos que la espiral se inicia en la articulación de la cadera, va por detrás de éstas y pasa por el muslo interno, rotándolo hacia fuera; luego desciende por detrás de las rodillas envolviendo los gemelos y rotándolos hacia fuera y continua descendiendo por la espinilla rotando hacia fuera finalmente los talones y los pies.
Distribución del peso. La distribución del peso del cuerpo es crucial en la conservación del equilibrio y del movimiento eficiente del bailarín. La alineación es de suma importancia para la correcta distribución del peso en uno o en los dos pies. A medida que el bailarín se mueve, el peso del cuerpo se está recentrando continuamente sobre uno o los dos pies. En la posición a pie plano los cinco dedos y la planta del pie soportan el peso del cuerpo. El peso del cuerpo se centra verticalmente sobre un área triangular. Dicho triángulo conecta el metatarso del dedo gordo, el quinto metatarsiano y el tobillo. El bailarín debe trasladar el peso hacia los metatarsianos, ya sea que se encuentre apoyado en los dos pies, en uno o en relevé (elevación sobre los metatarsianos). En relevé, el peso del cuerpo se encuentra sobre los metatarsianos y los cinco dedos del pie. El peso debe centrarse verticalmente entre el segundo y tercer metatarsiano para prevenir que el pie se ruede hacia dentro o hacia fuera; de esta manera el arco longitudinal del pie se encuentra perpendicular al suelo.
Postura. En los ejercicios y las combinaciones el bailarín asume una postura con el peso distribuido en ambos pies o cuando pasa a través de las distintas posiciones. Para sumir una apropiada postura del peso debe estar igualmente distribuido sobre ambos pies. El bailarín aprende estas posiciones kinestésicamente, ya sea para descansar o para recobrar el equilibrio antes de trasladar el peso a un pie o a una dirección diferente.
Transferencia del peso. La acción de trasladar el peso de dos pies a uno, o de uno a dos, requiere una postura correcta. El bailarín hace que la transferencia del peso se vea sin esfuerzo. Respirar con el movimiento, usar la rotación y estirar el cuerpo hacia arriba permiten que los cambios de peso se vean fluidos y sin esfuerzo. Ser capaz de ejecutar los cambios de peso es crucial para el logro de un suave cambio de apoyo y de las direcciones que constituyen una parte esencial del ballet.
Antes de realizar un cambio de peso de dos pies a uno, el cuerpo se estira ligeramente hacia arriba y hacia el lado de la pierna de apoyo en dirección diagonal entre las piernas y la pelvis. El peso se traslada completamente a los metatarsianos de la pierna de apoyo. Al regresar el peso a las dos piernas se debe trasladar de nuevo el peso y distribuirlo correctamente entre ambos pies.
Colocación. La colocación se refiere a la conservación de los hombros y las caderas en el mismo plano y paralelas la una a la otra en relación con el suelo. Este principio le permite al bailarín incrementar la claridad y la precisión en el manejo de las direcciones mientras las piernas se mueven en las distintas direcciones. El torso en ballet funciona como una unidad y ha sido percibido generalmente como inmóvil, lo cual no es cierto. En realidad, el torso se mueve sutilmente en relación con el fraseo de la respiración de los movimientos y las combinaciones. La colocación del torso provee estabilidad durante el desplazamiento de la pierna que trabaja, mientras la pierna de apoyo se estira hacia arriba. La sensación kinestésica del torso de un bailarín y la colocación llegan a ser más importantes cuando se integran con cambios de direcciones en la barra y en el centro.
jueves, 11 de julio de 2013
BAILES DESTACADOS!!
Mayonesa!
la bomba!
macarena!
Baile EL POLLITO PIO!!!
tirate un paso!
Cómo bailar música Disco
A finales de la década de los setenta surgió el género de la música Disco, mezcla de Funk, Soul y Ritmos latinos. Este género musical tuvo gran éxito entre los jóvenes y durante varios años las discotecas se llenaron de chicos que bailaban este estilo. Bailar Disco es sencillo y divertido, prepara tu vestuario, deja tus zapatos relucientes y deslumbra en la pista de baile con tus mejores pasos. ¡A bailar se ha dicho!
Instrucciones
Instrucciones para bailar
1
Da tres pasos hacia atrás, comienza con tu pie derecho, izquierdo, derecho. Junta tus pies y da un aplauso en este último paso. Relájate, la música disco se baila mejor si estás relajado y despreocupado por el ritmo de los pasos. Disfruta el ritmo y la coordinación surgirá con la práctica del baile.
2
Regresa a la posición original en la que comenzaste. Para esto repite el paso anterior, pero en lugar de retroceder, avanza. Comienza con tu pie izquierdo hacia el frente, después adelanta el pie derecho un paso y terminas con el pie izquierdo para que tus pies queden en la misma posición. Aplaude al juntar tus pies.
Repite el paso número uno y número dos. No olvides el aplauso en el tercer paso. Practica esta secuencia de movimientos hasta que la domines a la perfección: retrocede comenzando con el pie derecho, avanza comenzando con el pie izquierdo. Como puedes ver los pasos iniciales de la música Disco son muy sencillos.
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Ahora el paso de baile será hacia los lados. Da un paso hacia la izquierda con tu pie izquierdo. Cruza el pie derecho detrás de tu pie izquierdo. Da otro paso hacia la izquierda con tu pie izquierdo. Desliza tu pie derecho hasta colocarlo al lado de tu pie izquierdo. En el último paso debes aplaudir.
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Para regresar a la posición original repite el paso anterior de manera inversa: da un paso hacia la derecha con tu pie derecho. Cruza tu pie izquierdo detrás del pie derecho. Da otro paso a la derecha con tu pie derecho. Desliza tu pie izquierdo hasta que llegue al lado de tu pie derecho y aplaude.
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Ahora sigue la famosa vuelta de la música disco. Da un paso pequeño hacia la derecha con tu pie derecho. Tu pie derecho debe quedar en una posición casi horizontal. Este pie será el pivote sobre el que darás la vuelta. Mueve tu pie izquierdo y gira con tu pie derecho para que quedes de espaldas a tu posición inicial. Gira y avanza con tu pie derecho hacia la derecha, completa la vuelta llevando tu pie izquierdo al lado del pie derecho. Aplaude al completar la vuelta.
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En el siguiente paso gira en dirección contraria para llegar al punto de origen. Da un paso con tu pie izquierdo, que será el pivote sobre el que darás el giro. Continúa la vuelta moviendo tu pie derecho, gira completamente y avanza un paso hacia la izquierda con tu pie izquierdo. Lleva tu pie derecho al lado de tu pie izquierdo y aplaude.
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Practica estos pasos principales hasta que los domines por completo. Sin moverte de tu lugar levanta el brazo derecho, coloca la mano izquierda en tu cintura. Baja el brazo derecho hacia tu lado izquierdo y sube hacia la derecha varias veces, aplaude e inicia de nuevo con el paso uno.
Consejos y advertencias
Para bailar Disco debes estar relajado, tranquilo y disfrutando la música. Poco a poco podrás incorporar pasos más complicados y serás todo un experto del Disco.
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